Fica, vai ter bolo!
Em 2017, Carolina Paz realizou pinturas baseadas em memórias e afetos despertados pelas palavras presentes em cartas recebidas como parte do projeto colaborativo: “Desejo Motivo”. Um ano depois, a galeria Virgilio mostra a exposição “Fica, vai ter bolo!”. Desta vez, Carolina define parâmetros, tais como tamanho, formato, técnica e tema, estabelecendo o contexto para que vinte pessoas de diferentes convívios sociais desenvolvam pinturas para a criação de um novo trabalho interpessoal. Em “Fica, vai ter bolo!”, a artista transfere ao outro a ação de pintar e divide com ele o espaço expositivo. Artistas e não artistas são cúmplices em uma experiência subjetiva compartilhada. Apesar da exposição apresentar pinturas de vinte e um indivíduos, não se define como coletiva, mas tampouco como individual. “Fica, vai ter bolo!” acontece na área intersticial, no interlúdio entre a artista, seus convidados e suas individualidades. Nesta área de transição e troca, Carolina está em muitas pessoas e as recebe para dialogar com suas trinta pinturas, produzidas nos últimos dois anos.
Os motivos individuais de cada participante vão do querer sentir-se dentro do processo proposto pela artista, passando pela possibilidade de usar a pintura para lidar com desejos não realizados, ao simples fato de não se ter feito parte de grupos sociais durante a vida. As vivências, no processo de criação da imagem, propiciaram a vinte indivíduos sentimentos de gratidão, nostalgia, experiências de autoconhecimento, ilusão de congelar o passado e de reviver momentos de família, possibilidade de reformular lembranças tristes ou incompletas e até mesmo de projetar acontecimentos futuros.
O conjunto de pinturas de Carolina apresentado nesta exposição vem desse lugar em torno da mesa, de afeto familiar, relaxado, de trocas, doação, celebração, desejo. A partir de movimentos espontâneos de estar presente, mergulhando em sentimentos que ativam memórias e vice-versa. São, portanto, a materialização da percepção do instante, respostas ao mundo a partir de sua subjetividade. O recorte visual não procura interpretar, mas puramente seguir essa rede de afetos e memórias que culmina em imagens do repertório da artista, por vezes aparentemente díspares, mas que compõem um corpo unificado em sua produção de arte.
Cada pintura armazena uma rede de relações sociais para existir. Como aquilo foi feito? Como foi parar ali? Quem o fez? Conheço o gosto? Aonde me leva? As imagens de cada tela são propulsoras de reações encadeadas de afeto. Como diz Carolina: “Está tudo disponível no mundo.” O que em geral falta são as ligações, os vínculos, a troca, a convivência.
As telas maiores foram pintadas sobre a intimidade de lençóis e parecem nos convidar a exploração de seus espaços, mantendo ao mesmo tempo uma tensão de voyerismo. Já os pequenos formatos sugerem a apreensão pelas mãos, como objetos. Seus tecidos e acabamentos, tais como cordas, franjas e pompons reforçam ainda mais a experiência tátil e carregam referências domésticas. Ao adicioná-los a s bordas das pinturas, Carolina interfere nos limites entre pintura e parede, obra e suporte, interno e externo, sujeito e objeto, facilitando o estabelecimento de diálogos com as pinturas de seus convidados.
O processo da pintura em muito se assemelha ao de cozinhar. Gestos como o de temperar, homogeneizar, polvilhar, vitrificar, reduzir, montar, encontram correspondência na pintura. Tanto quanto seus óleos e cheiros, diluições, cores, relações com o tempo e a busca de um resultado que traz prazer aos sentidos e que carrega consigo quem somos e de onde viemos.
O consumo destas comidas e obras gera um encontro de pessoas e a apreciação das mesmas depende do que nos inspira e do que retemos, incorporamos das mesmas.
“Fica, vai ter bolo!” é um convite ao visitante a adiar sua partida, a olhar para dentro de si, a partir da convivência com as imagens do outro para com elas tecer suas próprias redes de associações e, quem sabe conectá-las em um tecido humano interpessoal, onde todos existiríamos em outras pessoas, tal como a artista e seus convidados.
Luciana Solano Março 2018
O que temos para hoje.
Esta é a sétima mostra individual de Paulo D’Alessandro, cuja carreira acompanho desde que participou da exposição Fotografias na Coleção do Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 2002.
O projeto que dá origem a esta exposição é uma continuidade do trabalho artístico e documental que Paulo D’Alessandro vem desenvolvendo há mais de vinte anos, desde sua primeira exposição realizada em Barcelona, na Espanha, em 1992.
Quando trabalhava com a fotografia analógica, Paulo interferia no filme fotográfico valendo-se dos “entremeios” de cada clique. Conforme escreveu Tadeu Chiarelli por ocasião da mostra individual do artista no MAM – Higienópolis, em 2001, “nesse procedimento, elimina a separação entre as sucessivas tomadas, produzindo sobreposições parciais entre as imagens, e, ao ocupar esses espaços limites, transgride a lógica temporal-espacial da fotografia, que deixa de ser fragmento para tornar-se um contínuo”.
Nas séries realizadas ao longo de vários anos, e representadas nesta mostra, é notável o pensamento construtivo nas imagens. Os planos e linhas horizontais e verticais, antes formados pelo processo de voltar o filme na câmera e fotografar sobre a foto anterior, aparecem novamente nas imagens de rua por meio de pilastras, postes, fachadas, ou mesmo na composição dos personagens retratados.
“Quando usava a fotografia analógica, buscava saber o que havia entre um fotograma e outro. Agora busco as divisões dentro de um enquadramento, investigando o “momento não decisivo”.
Um outro elemento importante na fotografia de Paulo e presente em diversos trabalhos aqui apresentados é o “instantâneo”, aquele momento espontâneo que só um bom observador capta e que torna a foto única. Esse momento é perceptível nas tomadas que faz nas ruas, de transeuntes e de profissionais no seu dia a dia, e nos instantes de descontração de um desfile de moda ou de um casamento: o momento “entre” a foto posada e a foto cerimonial. Nas fotos de grupos de pessoas e nos autorretratos de D’Alessandro podemos também notar o olhar de quem está “de fora”, que não é o do fotógrafo “oficial”.
Na pesquisa incessante pelo instantâneo e o “entre”, o artista registra as divisões, contrastes, passagens de tempo, em meio às crises vividas no Brasil, no mundo e suas próprias, acompanhando as rápidas transformações de gerações, a mudança da fotografia analógica para a digital, o surgimento e a propagação da internet e as consequentes mudanças em como nos relacionamos uns com os outros. Sua geração provavelmente está vivenciando algo parecido com que ocorreu na era industrial, com mudanças profundas na forma de viver e de perceber o mundo.
Entre as inúmeras imagens captadas pelo artista ao longo de sua sólida carreira, Paulo selecionou algumas realizadas nos três últimos anos, durante os quais registrou lugares, paisagens, retratos e autorretratos, o cotidiano de trabalhadores, transeuntes, festas, transformações arquitetônicas, além de trabalhos editoriais. Juntos, selecionamos uma série de cerca de 40 fotografias. Esta série foi manipulada digitalmente por Paulo e Claudio Machado, que reviram detalhes e nuances de luz, trabalhando pacientemente em cada imagem. Nesse processo, foram sendo revelados personagens, gestos, cenas, texturas, que nas imagens impressas podemos observar. São imagens ampliadas em pequenas dimensões onde uma profusão de eventos acontecem em diversos planos, resgatando todas as qualidades da fotografia da era analógica (embora muitas sejam digitais) e levando nosso olhar a passear pela imagem. Nesse “passeio” descobrimos detalhes deliciosos: um gesto obsceno, um olhar maroto, um reflexo inesperado, a imagem captada no celular de um fotógrafo no momento da captura de uma outra fotografia, uma profusão de pessoas atrás de seus celulares fotografando sabe-se lá o quê, uma cena ou uma paisagem que surgem lá atrás...
Estas são fotografias para se ver com tempo e com curiosidade, de forma bem diferente daquela que vemos em milhares de imagens que surgem a cada centésimo de segundo no instagram. Foram captadas nos entremeios das viagens e dos trabalhos profissionais de Paulo, com os equipamentos que estavam disponíveis no momento, vários deles pertencentes à sua coleção formada ao longo das mudanças tecnológicas das últimas décadas.
“Foram usadas diversas câmaras analógicas, digitais assim como diversos celulares. Fotografei com o que tinha na mão naquele momento, razão pela qual intitulei esta mostra O que temos para hoje”.
Rejane Cintrão
Abertura: 05 de abril de 2018 às 19:30h
Visitação até 30 de Abril de 2018
segunda a sexta-feira, 10h às 19h > Sábado, 11h às 17h
Endereço: Rua Dr. Virgílio de Carvalho Pinto, 426
Pinheiros - 05415-020 São Paulo SP.
Telefone: (5511) 2373.2999.
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